演出市场，只容得下头部艺人？

最近，音乐数据分析公司Chartmetric对2022年和2024年各职业阶段的前1000名艺术家的巡演情况进行了分析。

Chartmetric指出：“不仅仅是新晋艺术家选择退出巡演，中部乃至超级巨星级别的艺人也明显减少了巡演安排。”

一直以来，巡演被视为连接乐迷、积累听众、实现收入的重要路径，如今为何在高风险与低回报的重压下变得举步维艰？除了塔尖上的少数赢家，其他艺人还需要巡演吗？

演出市场，喜忧参半

经历疫情后的爆发性反弹之后，现场音乐行业正逐渐步入更具结构性分化的阶段。具体来说，就是演出市场不再整体同步增长，而是呈现出不同细分市场、不同主体之间的明显差异。

表面上，演出门票的热销与头部艺人的轰动效应，似乎预示着行业的全面繁荣。2023年至2024年间，Taylor Swift靠149场“Eras Tour”赚取超过20亿美元。平均票价约为204美元，在去年12月温哥华闭幕场的一张门票在二级市场的最高标价超过14,000美元。

根据演出巨头Live Nation公布的2025年第一季度财报显示，截至今年4月中旬，其全球门票销量同比增长超过两位数，累计达到9500万张；其中体育场级别演出的票房增长高达80%。面对外界对消费需求降温的担忧，该公司CEO Michael Rapino回应称：“我们并未感受到任何需求疲软的迹象。”

但事实却并非如此光鲜。

极少数个例之外，行业底层增长乏力，中腰部艺人正在式微的趋势愈发明显。根据Chartmetric发布的最新数据，中腰部乃至部分头部艺人的“巡演参与度”正显著下降，“冰火两重天”的局面，正在重塑整个演出生态。

该报告以年度演出次数为参照，将1000名艺术家划分为头部艺人、中腰部艺人和新兴艺人三大类。其中，中腰部艺人群体年演出次数达到10场及以上、被归为“巡演艺人”的比例，从2022年的19%骤降至2024年的12%；即便是头部艺人阵营，该比例也从44%跌至36%。

去年5月，美国知名乐队The Black Keys通过社交媒体发布声明宣布取消巡演，并表示将重新安排在更小型、更亲密的场地进行演出。乐队在声明中提到：“在最近于英国和欧洲的演出之后，我们决定对北美巡演部分进行一些调整，以便为乐队和粉丝提供同样令人兴奋、更加亲密的体验。”

尽管乐队未明确说明取消的具体原因，但据《旧金山纪事报》报道，低票房销售可能是主要因素之一。此外，乐队最新专辑《Ohio Players》的商业表现也不如预期。

去年6月，美国老牌摇滚乐队311宣布取消部分原定的海外巡演计划。乐队表示，不断上涨的国际巡演成本使得某些场次的执行变得“不可行“，尽管他们一直希望能与全球各地的歌迷见面，但当前复杂且高昂的运营费用，已让部分行程难以为继。

种种迹象表明，即使是光环加身的明星艺人，也难以确保每一次巡演都能换来票房的成功。去年，包括Jennifer Lopez、Lauryn Hill &Fugees在内的多位著名艺人都因票房疲软而取消了巡演。

同一时间轴上，一部分超级巨星的演出项目热度不减、门票告罄，带动Live Nation实现了整体业绩的上扬；另一部分中腰部乃至头部艺人的巡演参与度持续走低，两者看似矛盾却能同时成立。

对绝大多数艺人而言，当他们的体量尚未达到Taylor Swift的等级时，问题已不再是能否盈利，而是是否值得巡演。在当前背景下，而这个答案，可能越来越趋向于否定。

演出市场为何“冰火两重天”？

当经济增长率低于资本回报率时，不平等或许将不可避免。

演出巨头在超级IP的驱动下持续扩张，但整体演出市场的广度与深度却呈现出持续收缩的态势，资源、资本、注意力正向金字塔顶端集中。

据Chartmetric分析，对于大多数非头部艺人而言，2025年策划一次巡演已不再是艺术追求与商业收益的平衡选择，而是一场高风险的财务豪赌。尤其是在美国经济面临高达60%衰退概率的阴影下，消费者信心显著下滑，大型娱乐消费首先成为支出削减的重灾区。曾经有余钱去听现场音乐的粉丝，如今往往已无力承担门票。

以大型音乐节为例，曾经几小时内售罄的科切拉音乐节（Coachella），在2024年花了近一个月才售罄；而在2025年，超过一半的普通票观众是通过分期付款方式购票的。

全球化背景下，许多艺人都面临着在不同国家和地区进行巡演时必须支付的高昂签证和旅行费用。随着签证政策的收紧以及演出成本的增加，跨国巡演的可行性愈发受到限制。

另一方面，小型演出场地的困境，也成为艺人巡演频率减少诱因之一。

去年10月，BBC报道，由于乐队和歌手在巡演期间的演出场次相比上世纪90年代几乎减半，英国很多城镇和城市的现场音乐演出大幅减少。甚至，很多艺人巡演时干脆只演如伦敦、曼彻斯特、伯明翰、格拉斯哥等“关键城市”，直接省略中小城市。

今年2月，欧洲演出组织Live DMA发布的《欧洲城市现场音乐的挑战》指出，欧洲诸如柏林、索菲亚等地的中小型演出空间，正因收入锐减与公共资助减少，陷入生存危机。这一趋势若持续，将从根基处破坏现场音乐生态的多样性与可持续性。

对于大部分中腰部艺人而言，巡演的可选择性和灵活性大幅降低，必须要面对更高的场地租赁费用和更复杂的市场竞争。

经济大环境的衰退、巡演成本的上升、跨境签证政策的日趋严苛，小型演出场地困境重重，构成了中腰部乃至部分头部艺术家的四重桎梏。而这种情况下，Live Nation财报反映的并非全行业的运转情况，而是顶级内容的结构性繁荣，增长集中发生在金字塔顶端，中腰部、底层则在系统性萎缩。

根据Live Nation财报，美国体育场演出的“入场价”（get-in price，即最便宜门票）同比下降8%，至60美元左右。Live Nation首席财务官Joe Berchtold在一次采访中透露，公司当前并未进行大幅提价，而是通过后排座位降价、前排高价的“价格分层”策略实现利润最大化，并称二级市场价格等“需求疲软指标”并未触发警报。

而在Live Nation对价格的精准拆分策略背后，实则是一种建立在不同需求上的利润最优化模型。需要注意的是，这些指标本身就有倾向性，它们更多反映的是超大规模演出、超级巨星项目的市场表现，并不能覆盖整个演出生态的健康状况。对整体演出生态，尤其是中小型场馆与非头部艺人的境况，几乎不具代表性。

当下，演出市场的增长并未在全行业范围内普遍铺开，而是高度向头部聚拢、向大体量项目倾斜，其根本驱动力不再是行业整体的活跃度，而是极少数超级IP所形成的爆款级的“虹吸效应”。

这一点国内也一样。今年4月，中国演出行业协会x灯塔专业版联合发布的《2024大型营业性演出市场趋势及特点分析》显示，大型营业性演出在演出票房中占比从2023年的35.4%提升至2024年的51.1%，其中单场票房3000万以上的演唱会占全部大型演唱会场次的11.8%，同比提升3.4%，观演人数在4万以上的演唱会规模达到7.9%，同比提升3.5%，表明头部艺人演唱会的入场观众更多、演出规模扩大、吸金能力持续加强。

因此，如果说Taylor Swift们正在以万人空巷的演出点燃金字塔尖的狂欢，那么与此同时，底部与中腰部艺人巡演正悄无声息地退场。而在这个过程中，Live Nation捕捉到的是数据的热度，而不是整个演出市场生态的温度。

巡演还有必要吗？

近几年，全球政府、机构、文化行动者都在尽力解决演出行业资源再分配的难题。

比如英国政府近期推出的“UK Live Trust”基金，从大型演出门票中每张抽取1英镑，以资助小型音乐空间的可持续运营。截至今年5月，该基金已筹得逾50万英镑，Diana Ross、Pulp、Hans Zimmer等重量级艺人亦参与其中，成为结构重塑中的推动者。

此外，欧洲演出组织Live DMA曾提出可借鉴足球俱乐部的“转会制度”，当新兴艺人从小场地跃升至主流舞台时，其成长阶段所依托的基层平台应获得某种形式的回报。并且，这一模式已经在英国开始实施，比如Coldplay近年来开始将巡演部分收入反哺至小型场馆。

在法国，国家音乐中心（Centre National de la Musique，CNM）去年也推出了一项新政策，对门票销售和表演权费用征收3.5%的税费。该政策覆盖两类演出形式，对于收费演出，税额按照观众实际支付的票价计算；对于免费演出，则依据组织方因表演使用权所获得的收入进行征收。征收的税款由CNM用于资助、推动演出场馆、音乐节以及文化项目的可持续发展。

另一方面，老牌艺人也正在成为新秀成长的“加速器”。Music Ally首席运营官Patrick Ross就指出，在头部艺人的大型巡演中担任暖场嘉宾，对新兴音乐人而言意义重大。比如，英国歌手Holly Humberstone去年的巡演邀请了美国歌手Medium Build担任特别嘉宾，该艺术家此后在流媒体与社交平台上的活跃度已逼近Holly Humberstone。

未来，全球化的巡演趋势将愈发显著。2025年，已确认将有Lady Gaga、Tyler, The Creator、Blackpink、Coldplay、Billie Eilish及重组后的Oasis在亚洲展开巡演。面对居高不下的票价压力，主办方也愈加注重提升演出体验度，从现场设计，到虚拟现实（VR）同步直播，力图在“不可复制”的现场中，延伸出可持续的影响力。

那么，对于大多艺人来说，巡演还有必要吗？

从现实出发，答案仍然是肯定的。至少在目前阶段，巡演依然是艺人拓展影响力与沉淀听众的最有效路径之一。

去年，两位同属DeadAir Records厂牌的00后美国音乐人Jane Remover、quannnic共同展开了为期12天的全美巡演。期间，quannnic在Spotify上的月听众数量激增近3万人，这一涨幅甚至超过他在2023年多次发布新作所带来的积累。

丹麦弦乐演奏家Jason Dungan更是将现场表演视为音乐不可剥离的组成部分。在他看来，演出并不是“推广活动”，音乐必须被现场体验、在空间中展开，这是音乐完整表达的一部分。

当然，巡演也并非对所有创作者都具有不可替代的意义，也有艺术家认为巡演并非必要，甚至不值得。

伦敦独立音乐人Clarence Clarity就更愿意沉浸于录音室创作；美国的实验电子音乐组合death’s dynamic shroud成员Keith Rankin也明确表态，尽量规避巡演，他将重心放在与团队共同经营的NUWRLD Mixtape Club，每月轮流推出新作，维系创作的连续性与实验性。

音乐产业评论人Bob Lefsetz曾提出一个观点：“旧逻辑是巡演服务于专辑，新逻辑是专辑服务于巡演。”但归根结底，现场音乐行业应服务于艺术家与观众，而非单纯追求增长。

音乐人或许可以依据自身的艺术定位、创作节奏及资源，制定更为因地制宜的巡演策略，而非盲目嵌入工业化复制的增长模板之中。

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